Hasta que llegue ese momento, os desvelamos los nombres de las nueve firmas candidatas a conseguir el ansiado reconocimiento:

• Reparto,
• Adrià Egea,
• Guillermo Décimo,
• Fatima Miñana,
• 93 Sierra/Crosses,
• Sabela Juncal,
• Charlie Smits,
• Alejandre
• Aitorgoikoetxea

Todas ellas presentarán sus colecciones en la jornada destinada a la moda emergente. Nueve creadores que defiende el slow fashion y el diseño de autor, así como la artesanía, la producción local o el upcycling.

La marca seleccionada por el jurado tendrá la oportunidad de desfilar en una de las pasarelas internacionales de Mercedes-Benz como ya hicieron antiguos ganadores como Pepa Salazar, Ernesto Naranjo, Outsiders Division, 404 Studio o Rubearth, entre otros.

REPARTO (ANA VIGLIONE Y MARGIL PEÑA)

REPARTO es la firma de moda creada por Margil Peña (México) y Ana Viglione (País Vasco), que se alzó como ganadora de la tercera edición del premio Allianz EGO Confidence in Fashion en la MBFWMadrid de septiembre de 2022.

Nació en 2019 como el diario de una generación. Una marca que crea personajes que hablan y exponen temas que no suelen estar ligados al mundo de la moda. Entienden la moda como una herra- mienta de autodescubrimiento, mostrando algo real y tangible, haciendo de los encuentros casuales una fuente constante de material, nunca olvidando tratarlo siempre con humor. Ambos creadores demandan una industria que contribuya al entretenimiento visual y apoye el impacto positivo.

REPARTO se despide de la plataforma Allianz EGO con su tercera colección, “Continuará…”.

“Continuará…” es la tercera colección que cierra la etapa de REPARTO desfilando en Allianz EGO. Esta colección se convierte en la última de esta plataforma pero será el puente hacia el fu- turo más próximo de la marca.

‘Continuará…’ o ‘To Be Continued…’ es un término que se utiliza en el mundo del entreteni- miento para dejar un final abierto, en suspenso. Esta colección algo más triste y oscura que el resto, demuestra nostalgia y melancolía, sentimientos ya presentes en colecciones anteriores pero acentuadas en esta última por el final de esta fase.

Esta colección cuenta con personajes con un tono más personal que tratan temas como: la presión, dejarlo todo a medias, el miedo a con- vertirte en un juguete roto o una carta a tú yo de 16 años. Los colores que predominan son el rosa y el negro acompañada de técnicas como el upcycling, reutilización de prendas de segunda mano, puntilla y lycra de poliéster reciclado. Ade- más contarán con la colaboración de Jane Bar- dot para las joyas y Chus Portilla para los bolsos.

ADRIÀ EGEA (ADRIÀ RUIZ EGEA)

Adrià Egea es un diseñador emergente nacido en Badalona (octubre de 1997) que realizo sus estudios de diseño de moda en Barcelona.

La admiración de Adrià hacia la moda nace en las tardes en casa de su abuela Mi- caela, mientras ella confeccionaba sus pro- pios trajes y transformaba prendas para que volvieran a cobrar vida. Es por ello por lo que en todos sus diseños siempre la tiene pre- sente, incluso de manera inconsciente.

Adrià se define como un artista concep- tual. El proceso creativo es la parte más im- portante según su punto de vista, donde el concepto y todas sus ideas evolucionan has- ta convertirse en colección.

Colección: “Error series 2.0”

El error como parte del proceso, admirando la belleza de la inexactitud. Equivocaciones que distorsionan el cuerpo y reconstruyen nuevas prendas. La cierta incomodidad de lo “mal hecho” y de lo que no encaja. Rothko como paleta de color, colores que se funden entre sí y que acaban en una gama oscura, incluso sórdida. La crítica consiste en que en el cuadro no hay imagen alguna. Se puede decir que es un vacío y eso invita al espectador sencillamente a eso, a contemplarlo. El error es intentar razonar ante él. No se trata de comprenderlo sino de sentirlo.

Una colección de siluetas alargadas, que confunden el cuerpo, que lo deforman. Costuras ladea- das creando movimiento en la misma prenda. Simulando “errores” en costura como abotonaduras que no encajan a la perfección incluso prendas mal encajadas. Reconstrucción de prendas para dar vidas a otras, y alterar así siluetas clásicas. La utilización del moulage como proceso de inspiración y construcción, para así comprender mejor la imperfección. Una colección sin género, solo cuerpos en movimientos con prendas que se enlazan entre sí por mosquetones y tejidos antagónicos, mezclando así lo pesado con lo etéreo.

GUILLERMO DÉCIMO (GUILLERMO DÍEZ LÓPEZ)

Guillermo Díez López, es el creativo tras la firma Guillermo Décimo.

Burgalés graduado en Diseño de Moda en EASD Burgos, obtiene MH en su TFE (2018). Completa su formación junto a Ulises Mérida (2017) y Ana Locking (2019), además de su introducción en las pasarelas desfilando en la semana de la moda de CyL (2019/2022) y con sus colecciones “Queen of the Night” y “The Sleeping Dreamer” en la MBFWMadrid (2021/2022).

Crece en familia entre pinturas y música clásica, mostrando pasión por la moda y el arte en su acepción más esplendorosa. Una búsqueda constante de la belleza y la perfección, unidas a la tra- dición, artesanía, trabajo manual, referencias histórico-artísticas, ilustración, teatralidad… envuelven todo su trabajo: un viaje al pasado para soñar en el presente.

“ESPECTACULAR, ESPECTACULAR!”

Show, cine, cabaret, teatro de revista, y un sueño que termina cumpliéndose en la ciudad de la luz, que por casualidades del destino re- sulta no ser París, sino Madrid.

Como tercera y última colección dentro del marco Allianz EGO, surge “ESPECTACULAR, ESPECTACULAR!”, un cierre por este viaje que comenzó en las noches más underground de la capital fusionadas con la ópera y María Callas, pasando por los mundos fantásticos que todos vivimos alguna vez en sueños, entre cuentos de hadas y magia sin fin, para acabar despertando en el París bohemio del Moulin Rouge, dentro del film de mismo título dirigido por Baz Luhrmann en 2001.

Este París de ensueño es el punto de partida que se fusiona por momentos con los grandes hitos del musical y cine dorado de Hollywood, referencias que bailan entre escenarios, brillo, plumas, medias de rejilla y un foco que lo ilumina todo… De pronto, ese sueño conseguido de llegar a París se diluye en la mente. Tal vez no haya que soñar tan lejos…Ciertas melodías y recuerdos afloran de pronto y los tejados de chimeneas se trans- forman en plazas de verbena.

– ”Ay Madrid!, lo tienes todo, y lo das todo. Ciudad que sin ser la propia, se lleva igualmente dentro del corazón.”

Una colección sobre la belleza, sobre los recuerdos, sobre el poder de la libertad, una colección sobre el arte, pero por encima de todo, una colección por y sobre el amor.

FATIMA MIÑANA (FÁTIMA MIÑANA SÁNCHEZ)

“PRECIOUS DECAY”

Esta colección está inspirada en el estilo de vida decadente que se dio en la Belle Époque parisina, donde el éxtasis y el hedonismo del ‘joie de vivre’ contrastaban con la decadencia y la melancolía. En esta temporada estudio la opu- lencia, el lujo, lo majestuoso y su consiguiente degradación y destrucción.

El punto de partida de esta colección fue el trabajo del pintor Anglada-Camarasa, el cual representaba en sus cuadros la noche parisina. Sus protagonistas son mujeres fantasmas, cadavéricas, con gran melancolía. Mujeres tristemente sugestivas, vestidas de encajes, satenes y opulentes trajes edwardianos.

La musa de esta colección es una mujer extravagante, sensual y melancólica. Una mujer que siempre desea más y más y esto la hace inmen- samente infeliz. Una dandy cuyos trajes se están deshaciendo, una mujer ardiente que vive en el límite entre el éxtasis y la desesperanza.

Esta colección experimenta con los límites de la sensualidad y la feminidad, con cortes atrevidos y tejidos delicados como satenes, encajes, gasas… en contraste con lanas sastre y falsos cueros en trajes y abrigos dandy. Estos diseños buscan jugar con el lujo y la opulencia y su des- composición, mostrando la construcción de las prendas y su deconstrucción limitada.

Fátima Miñana es una diseñadora ma- drileña emergente que fundo su marca ho- mónima en 2020. FATIMA MIÑANA surge tras presentar por primera vez la colección “Geometry of Fear” en la plataforma EGO de la Mercedes-Benz Fashion Week Madrid, obteniendo el premio Mercedes-Benz Fas- hion Talent 2020 de esa misma edición. En septiembre de 2020, Fátima presentó su se- gunda colección, “Persona”, en esta misma plataforma.

Desde entonces hemos podido ver a celebridades como Kendall Jenner, Nathy Peluso o María José Llergo llevando sus crea- ciones.

FATIMA MIÑANA es una marca cuya esencia consiste en crear piezas con un di- seño único y un corte especial que doten a la mujer de una mayor seguridad en sí misma, manifestando así todo su poder. Cada pieza es única ya que su proceso de creación es similar al de esculpir, se va dibujando y mol- deando la prenda en tres dimensiones, para conseguir la proporción, el movimiento y el equilibrio deseado.

93 SIERRA CROSSES (OLIVER IGLESIAS PALACIOS)

El diseñador Oliver Iglesias nace en la localidad de Langreo (Asturias) en 1993, desde muy pequeño muestra un gran interés por la moda lo que le lleva a con 16 años empezar a trabajar de forma parcial en una tienda de streetwear local a la vez que cursa bachille- rato de Artes. Cuando finaliza el bachillerato decide estudiar fotografía, aunque finalmente no completa sus cursos para iniciar en 2016 su primer proyecto de moda, la marca “Jon Kemuri”, a la vez que sigue trabajando como freelance en diseño gráfico y moda.

Ya en 2020 Oliver decide crear 93 SIE- RRA/CROSSES. En este nuevo proyecto el diseñador asturiano nos muestra una visión más personal del “elevated streetwear” tomando como inspiración los movimientos obreros y sindicales de Asturias, así como referencias al punk y hardcore local.

“FW23-24” es la nueva colección de 93 SIERRA/CROSSES, continúa apostando por piezas emblemáticas sobre el concepto de “streetwear elevado” donde el corte y la calidad de las prendas son protagonistas.

El diseñador sigue desarrollando el discurso elaborado durante dos años en las colecciones anteriores, su propia visión sobre Asturias. Oliver plasma sus experiencias y las sensaciones que le transmite su tierra y adaptar esos códigos a las prendas; tratando temas recurrentes como la influen- cia de la clase obrera y los parajes naturales asturianos.

En esta última colección se incorpora una idea nueva a lo que ha tratado hasta ahora, tomando como punto de partida la influencia de la estética punk y hardcore de principios de los 90 y finales de los 80 en Asturias y España

SABELA JUNCAL (SABELA JUNCAL VIDAL)

Sabela Juncal (Pontevedra,1997) estudió Pu- blicidad y Relaciones Públicas en la Universidad de Vigo, y se graduó en 2019. Tras ello, decide enfocarse en el mundo de la moda, inclinación que ya mostraba desde antes de iniciar su etapa universitaria. En 2021 finaliza el Máster en Diseño y Dirección Creativa en Moda en la Universidad de Vigo, el cual le permite experimentar y desarrollarse creativamente.

“Condominio” pone fin a una fase en la que explora todas las partes del proceso de desarrollo de una colección: desde la concepción del tema al patronaje, la confección, el diseño y la estampación gráfica.

Su primer contacto profesional fue en The Campamento Kidswear. Actualmente es diseñadora masculina en Adolfo Domínguez.

“Condominio” representa el proceso de construcción de un hogar. Crear una casa es establecer relaciones, estructuras, espacios y ambientes. Poner tabiques, dividir. Levantar escaleras, pisos y tejados. Puertas y ventanas. Hacer nacer personajes e imaginar las historias que los preceden, las situaciones que hicieron que ahora se encuentren aquí, que habiten este hogar. Vestirlos. Diseñar, patronar, escoger sus tejidos y coser sus ropas. Elaborar sus complementos, sus objetos cotidianos y sus recuerdos. Se trata de originar la única porción de realidad sobre la cual tenemos el control absoluto. Ima- ginando una historia, tangible, física y visible a ojos de cualquier espectador anónimo.

Desde la concepción del tema, elementos como los sistemas de representación y la escala, las dimensiones, la documentación, el tiempo y la sección se vuelven fundamentales.

El espacio doméstico define las condiciones y características de la colección, evidenciándose en la selección de tejidos y desarrollo gráfico. Además, en todo el proyecto, se observa un paralelismo entre el wunderkammer y el hogar. Al fin y al cabo, la casa es donde se guardan y acumulan todos y cada uno de los objetos poseídos: el equipaje personal que la vida almacena y el equipamiento que pertenece al propio hogar. Este amplio rango de objetos inanimados, que va desde la representación de seres vivos al me- naje en miniatura, inspira tanto la parte gráfica del proyecto como los accesorios.

El tejido fundamental del proyecto es un lienzo de algodón de sábana antiguo. Lo desta- cable de esta materia es como el tiempo ha ido trazando su apariencia. Al presentarse en piezas dobladas, se crean marcas que señalan las par- tes donde antes había un pliegue. La humedad también conforma este algodón, creando patro- nes y colores nuevos. Este material convive con otros como el punto de mohair o la lana en som- breros y contrasta con la pana, el vaquero o el paño. Para el desarrollo gráfico de la colección se emplean diferentes técnicas como la serigrafía, la sublimación o la aplicación directa en la prenda con bolígrafo o lápiz.

CHARLIE SMITS (CARLOS SMITS GARCÍA)

“Visión” de Charlie Smits

Hay anhelos más profundos ocultos en nues- tra psique que pensamientos racionales. Las fantasías y los sueños son generalmente una salida para las emociones y las corrientes psicológicas que no podemos incluir en nuestra vida diaria.

“Visión” se encuentra entre la delgada línea de lo que concebimos como fantasía y realidad, invitándonos a reflexionar sobre lo que percibi- mos como real y lo que no.

Con esta colección, Charlie Smits nos pone frente al espejo para enfrentarnos a nuestra propia manera de sentir la materialidad.

En la colección, se han utilizado tejidos y materiales para una producción artesanal como puede ser el punto, lanas, crochet… La confección está hecha a cabo por personas cercanas como amigos y familiares, buscando siempre así la mayor artesanía posible. También se hace uso de la moda circular, de segunda mano y reciclada de tiendas y mercadillos. El reciclaje le da la esencia a la marca tanto en colores y formas, ya no solo por esto sino también por las ilustra- ciones que habrá pintadas a mano o impresas en las prendas.

Charlie Smits es un artista visual nacido en Mallorca en 1999.

Desde su adolescencia ya era un artista avanzado y autodidacta. Terminó sus estu- dios de arte en 2019.

Charlie comenzó siendo reconocido por sus ilustraciones y cuadros, llegando a realizar sus primeras exposiciones a los quince años. También ha realizado trabajos para marcas, artistas musicales, colecciones cápsula en moda y animaciones para televisión.

En 2021 Charlie se trasladó a Ámsterdam para continuar desarrollando su obra pictórica y esculturas, donde ya es considerado un artista emergente.

En su imaginario podemos ver su sátira sobre la sociedad, y una provocadora rebeldía a través de sus formas y colores.

ALEJANDRE (SANDRA PEÑARANDA ALEJANDRE)

Nacida en Madrid, La diseñadora Sandra Peñaranda Alejandre, cursó sus estudios de moda en la escuela de diseño IADE. Tras graduarse, realizó sus prácticas en Mané Mané, junto al diseñador Miguel Becer, donde posteriormente pasaría a formar parte del equipo durante 4 años, comenzando así su carrera profesional en la moda. Durante los meses de confinamiento de la pandemia, decidió crear su marca, Alejandre, y confeccionar una colección que vería la luz en diciembre del 2020. E poco más de dos años, la diseñadora ha conseguido lanzar su página web, adentrándose en la venta online y realizando envíos a todo el mundo, vestir a celebrities de la talla de Dua Lipa, Nathy Peluso, Bad gyal, Julia Fox y Kourtney Karsahian y desfilar en EGO Mercedes-Benz Fashion Week Madrid por segundo año consecutivo con su tercera colección.

La colección “Rising” trata sobre la enfa- tización de las fortalezas instintivas y experimentales que trascienden las convenciones y construcciones corporales y mentales, poniendo énfasis en la individualidad y la independencia.

Los patrones clásicos se reelaboran y rein- terpretan en formas subversivas, fusionando la energía de la calle y la identidad lencera, con si- luetas que invitan a la reflexion y que trascienden la versatilidad.

El uso de diversos tejidos de caracteristicas muy distintas conviven en armonía, desde los más rígidos y formales hasta los mas relajados y fluidos. Esta mezcla evoca una serie de distintos mundos conviviendo bajo el mismo techo y desafiando la construcción de la prenda tradicional.

AITORGOIKOETXEA

A sus 22 años y vasco a más no poder, AITORGOIKOETXEA es una marca con mucha personalidad, destacando su sensibilidad estética repleta de creatividad, savoir faire y técnica. Alumno de IED Barcelona, en 2021 ganó el premio ITS Responsible Creativity Award powered by Allianz, por su colección de final de estudios “Aitarekin Afaltzen”.

A raíz de esta colección comenzó a darle forma a este proyecto y empezó a vender prendas de punto de manera internacional. Su estética llena de nostalgia y siempre inspirada en algún aspecto de los orígenes del diseñador, llenan de colores y texturas los diseños que realiza Aitor. Los aspectos artesanales también son un punto fundamental en el proceso de sus creaciones, empleando borda- dos, punto y flocados manuales que dan un valor único a cada prenda.

“Adarrak”

Inspirándose en trajes tradicionales que se usan muchas veces con un sentido de “ritual” juegan con la barrera entre hombre y bestia. Aitor encontró que el origen de todas estas tradiciones era el miedo. La tradición siempre se presenta como algo sólido e inamovible, fuerte y fijo; pero darse cuenta de la fragilidad que reside en su origen y, por lo tanto, en lo vulnerable que es a la vez, es lo que le inspiro para crear esta colección. De manera personal siempre ha visto a la gente joven rechazar este tipo de tradiciones. Pero precisamente la generación de ahora es más tolerante con la fragilidad que reside en todos nosotros. Esto mismo quiere que sirva para empatizar con lo que compartimos con la tradición, que sería el miedo y así reconciliarnos con ella.

Ha planteado 18 looks para hombre en esta co- lección. Aunque se presente con modelos masculinos, muchas prendas son unisex. Los materiales empleados en esta colección son la principal apuesta por la sostenibilidad para estas prendas, en su mayoría son tejidos vintage descatalogados de los años 60 y 70. También el punto forma una parte muy importante en la colección, trabajándolo de manera manual con hilos más gruesos, de mane- ra digital para pren- das de punto más deli- cadas y semitransparentes, y con mantas de mohair tejidas artesanalmente y con tie dye manual. Para Aitor los materiales en la colección lo son todo, los estampados, texturas y colores crean un universo lleno de nostalgia y tradición que nos hablan por sí mismos de la vulnerabilidad de la tradición. Además de esto, está trabajan- do con varios artesanos para crear algunos de los complementos para su colección.