La Fundación Academia de la Moda Española (FAME) ha reforzado su papel como motor intelectual del sector con su participación en la novena edición de Madrid Design Festival, donde presentó el Ciclo de Diseño de Moda: tres mesas redondas que abordaron algunas de las cuestiones más relevantes del panorama creativo actual.
El encuentro, celebrado en la Institución Libre de Enseñanza, reunió a destacados diseñadores y firmas nacionales —muchos de ellos premiados o finalistas en las dos primeras ediciones de los Premios Academia de la Moda Española— en una jornada que combinó reflexión, análisis y visión estratégica sobre el futuro del diseño de autor en España.
Un espacio para pensar la moda más allá de la pasarela
Moderado por la periodista y consultora Anitta Ruiz, el ciclo arrancó con la bienvenida institucional de Pepa Bueno, vicepresidenta de FAME y directora ejecutiva de la Asociación Creadores de Moda de España (ACME), junto a Sergio Álvarez, director de la Fundación. La cita contó con representación institucional y profesional, subrayando la creciente consideración de la moda como disciplina cultural estratégica.
La iniciativa busca consolidar un foro estable donde el diseño de moda sea abordado desde una dimensión intelectual y técnica, reivindicando la excelencia, la innovación y la sostenibilidad como ejes vertebradores del sector.
¿Ha muerto el desfile de moda? Nuevos formatos y narrativas
La primera mesa redonda planteó una pregunta provocadora: ¿Ha muerto el desfile de moda? En ella participaron Nacho Aguayo y Alex Miralles, directores creativos de Pedro del Hierro, junto a Paul García de Oteyza, de la firma Oteyza.
Lejos de certificar la desaparición de la pasarela, los ponentes coincidieron en que el formato sigue vigente, aunque en transformación. Aguayo defendió que el desfile “no ha muerto, ni mucho menos”, destacando su capacidad para generar experiencias más allá de la simple presentación de prendas. Miralles subrayó la necesidad de evolución constante: el formato permanece, pero exige adaptación.
Desde una perspectiva más transversal, Oteyza apostó por una visión híbrida entre moda y artes escénicas, reivindicando el “show” como narrativa ampliada. Una reflexión que apunta a la creciente hibridación entre disciplinas y a la búsqueda de propuestas inmersivas capaces de conectar emocionalmente con el público.
Nuevos códigos estéticos frente a una moda globalizada
El segundo coloquio reunió a tres voces emergentes con proyección internacional: Carlota Barrera, Jaime Álvarez —director creativo de Mans— y Tíscar Espadas.
En un contexto dominado por la homogeneización visual y el peso del algoritmo, Barrera defendió la importancia de cuestionar y redefinir los códigos establecidos, apostando por la identidad local como valor diferencial. “En un mundo de información homogénea, es importante contar de dónde vienes”, señaló.
Tíscar Espadas incidió en el papel de la artesanía como resistencia frente a la globalización. Cada prenda, explicó, es un proyecto singular que impulsa la creatividad y sostiene la industria local. Por su parte, Jaime Álvarez reivindicó el equilibrio entre tradición y vanguardia, alertando sobre la pérdida de oficios y la necesidad de dignificar la formación técnica en el sector.
Un debate que puso de relieve la tensión —y al mismo tiempo la complementariedad— entre identidad, mercado global y sostenibilidad cultural.
Joyería: entre el diseño de objetos y el diseño de moda
La tercera mesa redonda trasladó el foco al universo de la joyería con la participación de Helena Rohner, Isidoro Hernández y Susana Cruz, directora creativa de Suma Cruz.
Rohner destacó la dimensión emocional de la joya, entendida como extensión de la personalidad y objeto cargado de significado. Hernández subrayó su carácter atemporal, vinculado a los sentimientos y a la memoria, aunque sin renunciar a la necesaria renovación para mantener competitividad comercial.
Desde una posición reivindicativa, Susana Cruz defendió que la joyería debería situarse al mismo nivel que la moda, recordando su condición de primer elemento ornamental de la historia humana. Un planteamiento que revaloriza la joya como disciplina autónoma dentro del ecosistema creativo.
FAME, garante de excelencia y proyección internacional
Con esta participación en Madrid Design Festival, la Fundación Academia de la Moda Española refuerza su compromiso con la promoción del talento nacional, la recuperación de los oficios tradicionales, la sostenibilidad y la digitalización de los procesos creativos.
El Ciclo de Diseño de Moda ha evidenciado que el sector atraviesa una etapa de transformación profunda: nuevos formatos de presentación, revisión de códigos estéticos y diálogo entre disciplinas configuran un escenario donde tradición y contemporaneidad conviven en constante tensión creativa.
En definitiva, una jornada que confirma que la moda española no solo se diseña y se produce: también se piensa, se debate y se proyecta hacia el futuro.
La organización, constituida en 2020 e impulsada principalmente por la Asociación Creadores de Moda de España (ACME), trabaja para consolidar el reconocimiento nacional e internacional de la moda española, no solo como industria económica, sino como patrimonio cultural vivo.
Dentro de sus fines fundacionales se encuentran, entre otros:
- impulsar el reconocimiento nacional e internacional de la moda española,
- fomentando su sostenibilidad y responsabilidad medioambiental y social,
- promoviendo la recuperación de los oficios tradicionales y la pervivencia de la artesanía,
- y potenciar la digitalización de los procesos creativos conjugando investigación, desarrollo, innovación y tradición (I+D+i+T).
Entre los proyectos de la fundación (FAME) se encuentran la celebración anual de los Premios Academia de la Moda Española, la adaptación de la formación profesional a la realidad del sector dignificando los oficios, la organización y desarrollo de iniciativas culturales para la difusión de la cultura de moda y el acompañamiento empresarial en el emprendimiento y la consolidación de empresas de moda e industrias conexas.
