Con propuestas que van desde la experimentación con materiales y técnicas artesanales hasta el diálogo entre tradición y vanguardia, cada uno de ellos presentará una visión única, marcada por la autenticidad y la creatividad sin límites.

La jornada culminará con la ceremonia de entrega de Mercedes-Benz Fashion Talent, que cumple 26 ediciones y distinguirá la propuesta más sobresaliente de la jornada. El creador o creadora que se alce con el galardón podrá desfilar en Mercedes-Benz Prague Fashion Week, siguiendo los pasos de sus predecesores Alejandre, Rubearth o Outsiders Division, que ya llevaron el futuro del diseño nacional a esta pasarela internacional.

Desde su nacimiento en septiembre de 2013, el certamen ha servido de trampolín para más de una veintena de diseñadores que hoy son referentes dentro y fuera de nuestras fronteras. Talentos como Pepa Salazar, JC Pajares, Ernesto Naranjo o Dominnico dieron sus primeros pasos en la industria gracias a esta plataforma y presentaron sus colecciones en escenarios como México, Budapest o Berlín, contribuyendo así a consolidar la proyección global de la moda española.

MERCEDES-BENZ FASHION TALENT

Mercedes-Benz considera fundamental el impulso al talento, la innovación y la creatividad de los diseñadores de moda emergentes. Por este motivo, en 2013 creó el premio Mercedes-Benz Fashion Talent, que con el tiempo se ha consolidado como uno de los galardones más reconocidos y prestigiosos del panorama nacional.

Entre los valores que se tienen en cuenta a la hora de seleccionar al ganador destacan el diseño, la calidad, la visión creativa, el compromiso con la sostenibilidad, la artesanía y su proyección a largo plazo. El diseñador novel elegido por el jurado, entre los nueve candidatos que compiten por el premio, tendrá la oportunidad de desfilar en una de las pasarelas internacionales patrocinadas por Mercedes-Benz.

De este modo, se unirá a una destacada lista de talentos como Pepa Salazar, Ernesto Naranjo, Outsiders Division, 404 Studio o Dominnico, quienes han representado a la moda emergente española en destinos como México, Praga o Budapest.

AGENDA

Domingo, 21 de septiembre de 2025

• 11:00 h
  • SLV FRR
  • Antonio del Canto
• 13:30 h
  • Dimoni Studio
  • Skinsfromtheinsideofmymouth
• 16:00 h
  • Antonio Acuario
  • Asier Quintana
• 18:00 h
  • Emeerree
  • Studio Cumbre
• 20:00 h
  • Guillermo Décimo
  • Aleš Hnátek (Diseñador internacional de Mercedes-Benz Prague Fashion Week)

SLV FRR – SILVIA FERRER

Con una trayectoria multidisciplinar, la artista visual Silvia Ferrer (1995) lleva su distintiva visión a la moda con SLV FRR. Con un gusto por la sofisticación de la ropa casual y la búsqueda de una disrupción sutil, parte del minimalismo para explorar la temporalidad de las prendas.

Al abrazar las contradicciones, reflexiona a través de la ropa sobre lo que significa ser una misma hoy en día. SLV FRR es individual, compleja, Libra, cruda, elevada, romántica, desesperada, delicada, club, cama, nostálgica, impaciente, internet y manuscritos.

“Over”

“Over” es la primera colección de SLV FRR desde su rebranding. Trata sobre una inundación y un renacimiento. El punto de partida es el concepto de “outgrowth”, en el que el sujeto crece más allá de aquello que en algún momento lo retuvo.

Entre la sobredimensión de las prendas y el efecto segunda piel, se crea una narrativa en torno al ahogo y la resiliencia, encorsetando y liberando al cuerpo según avanza la colección. Las multiposiciones y el destape aparecen como indicadores de una transición, una apertura en dirección introspectiva.

Siguiendo con el tono intimista y casual que caracteriza a la marca, el minimalismo de los 90 flirtea con el indie sleaze de los 2010, ambos marcados por una sensibilidad de chica rara y femenina.

Dentro de la cotidianidad en la que se enmarcan los diseños, se desdibujan los límites entre lo íntimo y lo público, entre la fiesta y la cama, en una atmósfera tan etérea como sugerente. Estas dualidades funcionan como el mejor antecedente de lo que SLV FRR viene a ser.

ANTONIO DEL CANTO

Antonio Del Canto es un diseñador de moda andaluz, que aplica su enfoque conceptual, artístico y sostenible a la moda. Su estilo combina la artesanía tradicional con innovación contemporánea, creando prendas cargadas de simbolismo y narrativa emocional. Apuesta por una contradicción entre el minimalismo y el maximalismo, alejado de las tendencias pasajeras, para ofrecer piezas atemporales que invitan a la reflexión sobre temas como la identidad, la historia y la introspección.

Un aspecto clave en su propuesta es el compromiso con la sostenibilidad. Antonio Del Canto defiende una moda consciente y responsable, alineada con los principios del

slow-fashion, utilizando materiales sostenibles y cuidando minuciosamente cada etapa del proceso de producción. Cada prenda que diseña es fruto de una elaboración artesanal, donde la calidad de los tejidos, la precisión en los acabados y el valor del trabajo manual son fundamentales.

En definitiva, su marca se construye sobre tres pilares fundamentales: arte, sostenibilidad y emociones. Con una fuerte inspiración en el arte, la música y la historia, su trabajo busca trascender la superficie para ofrecer prendas que no solo se visten, sino que se sienten y se interpretan, además de estar comprometido con un futuro de la moda más humano, más reflexivo y profundamente artístico.

“Vertige”

“Vertige” es una colección inspirada en los estados alterados de conciencia, explorando la psicología del abismo a través del sonambulismo, la disociación, el delirio, el insomnio y otros estados alterados de la conciencia. Las prendas reflejan la fragilidad y desorientación de estos estados, con siluetas exageradas y etéreas, cortes simétricos y tejidos que se disuelven o fragmentan. Los colores juegan con contrastes intensos y distorsionados, como en el delirio, mientras que detalles translúcidos y cambiantes evocan la sensación de insomnio y desdoblamiento.

La colección utiliza materiales como sedas, gasas, sargas y tafetanes. La paleta de colores incluye grises, negros, blancos opalescentes, dorados, violetas y aguamarinas, creando una atmósfera surrealista. “Vertige” no solo es una propuesta visual, sino una experiencia sensorial que invita a reflexionar sobre los límites entre la vigilia y el sueño, entre lo real y lo intangible.

Cada pieza funciona como una manifestación física de lo que no es real, cuerpos suspendidos en el limbo de lo onírico, atrapados entre la materia y el vacío. Las prendas no visten, envuelven como un recuerdo borroso, como una emoción que no logra definirse del todo. La confección juega con lo imprevisible, dejando márgenes abiertos al azar en sus siluetas, como si la realidad misma se estuviera desintegrando.

“Vertige” es, en esencia, un viaje introspectivo que convierte la vulnerabilidad en lenguaje estético, revelando lo bello en lo inestable, lo incierto y lo fragmentado.

DIMONI STUDIO – JOAN RIBAS MITJANS

Dimoni es una marca de moda española fundada por Joan Ribas en el año 2022. En febrero de 2024 presentó su primera colección llamada “T T” en la pasarela EGO estableciendo su estética y sus valores con una colección inspirada en la “cultura gym”. En las colecciones posteriores ha seguido explorando la mezcla de prendas streetwear con otros códigos diferentes, evolucionando y explorando otros códigos.

El ADN de la marca se define por reinterpretar prendas streetwear como camisetas, sudaderas o vaqueros basándose en cómo la gente lleva “realmente” su ropa. Todo esto presentado con una selección de tejidos obtenidos de excedentes de retail y tiendas de comercio local.

Los procesos de elaboración de las prendas se hacen de la forma más sostenible posible, reduciendo el gasto de papel en patronaje, dando una nueva vida a prendas de segunda mano o utilizando materiales de producción ecológica o reciclada.

“Cop4cab4na”

Dimoni SS26 explora la silueta y el género de las prendas a través de diseños streetwear esenciales, como camisetas o vaqueros, diseccionando diferentes técnicas. Patronaje, formas y detalles experimentales que fusionan la estética streetwear de gym identitaria de Dimoni con siluetas veraniegas con un punto mucho más sexy.

Encontramos nudos y drapeados ultrafemeninos, junto a rotos y arrugas al mismo tiempo que espaldas descubiertas y faldas ajustadas y cortas. “Cop4cab4na” se centra en incorporar referencias directas al universo del fútbol, como dorsales de vinilo en la espalda o logotipos bordados en el pecho, integrados en prendas veraniegas como bañadores o mini shorts denim con aberturas. Todo ello bajo la premisa de reinterpretar lo deportivo desde una mirada propia.

SKINSFROMTHEINSIDEOFMYMOUTH – HUGO LISANDRA

Hugo Lisandra es un diseñador natural de Madrid centrado en la creación de prendas masculinas que se sitúan entre lo comercial y la vanguardia. El patchwork, upcycling y la manipulación textil son conceptos que se ven reflejados constantemente en su trabajo. Sigue un estilo atemporal y rompedor con materiales que cuentan una historia por sí solos.

Entre sus inspiraciones destacan la relación del ser humano con la tecnología, la música, la historia y la naturaleza. Su porfolio consigue sacar el mundo interior del diseñador y transformarlo en lenguaje textil. Sus materiales preferidos son las fibras naturales como el denim combinado con pelo sintético o cuero. La estética gravita en torno al mundo underground y el de tendencias sin dejar indiferente a nadie.

“Debut”

“Debut” es el nombre de la colección final de mi carrera universitaria y, con ella, quería hacer una muestra de mi expresión creativa. La colección explora mitos modernos, mayormente la relación del ser humano con la tecnología, una mezcla entre natural y sintético, plástico y cuero.

Cada prenda busca contar una historia personal y colectiva: la del chico contemporáneo enfrentándose al mundo con contradicciones con sensibilidad, humor y lucidez. La colección apuesta por la creación a gran escala, donde el volumen y la materialidad toman protagonismo a través de tejidos técnicos e industriales: reflectantes, impermeables, con tiradores, elásticos, bolsillos y cuerdas que moldean y transforman la silueta. Son piezas con carácter, con gancho, diseñadas para tener sentido en el entorno actual.

La construcción es clave: se cuidan los patrones, se asumen retos técnicos, pero siempre con la eficiencia como horizonte. Las prendas se piensan desde el cuerpo, siempre imaginadas en movimiento, como una segunda piel que transforma y comunica.

Estéticamente, la colección gravita en torno al negro sobre negro, el uso de transfers e imágenes, los lavados y decolorados del denim, entre otros acabados. Lo interesante en una prenda es que tenga textura, que narre una historia y se mueva por sí sola. Se vuelcan aquí las luces y sombras del mundo introspectivo del diseñador, creando una propuesta muy interesante desde el punto de vista cultural.

“Debut” es una propuesta arriesgada e interesante, pero con mucha garra y, a su vez, muy ponible.

ANTONIO ACUARIO – ANTONIO CONTRERAS

Antonio Contreras fue pionero en la escena independiente de la moda chilena, irrumpiendo con propuestas inesperadas. Tras una pausa de ocho años, en marzo de 2025 regresó con Antonio Acuario, un nuevo capítulo en su carrera: un proyecto de vestuario que se rige por el azar y la intuición, y que rechaza las expectativas y calendarios de la industria tradicional.

Su estilo artesanal y sostenible recupera prendas preexistentes para construir un “universo” en constante expansión, donde cada entrega dialoga con la anterior. Con un enfoque consciente y sin temporadas, apuesta por una moda emocional, duradera y en evolución.

“Momento II”

En esta nueva entrega, o “Momento II”, como él lo llama, Antonio Contreras explora nuevas formas de pensar y habitar las prendas, pero también revisita memorias personales: texturas, siluetas y gestos que, de niño, admiraba en cuerpos femeninos y sentía que no podían pertenecer al suyo.

Este “momento” es, en muchos sentidos, una celebración de todo aquello que escondió, fingió que no le gustaba y no pudo hacer propio. El “Momento II” transita entre dos fuerzas: por un lado, piezas complejas, con capas y detalles por descubrir; por el otro, siluetas minimalistas, bordeando la desnudez pero cargadas de protección. Ambas direcciones comparten una intención común: usar la vestimenta como herramienta de expresión, afirmación y diálogo con el entorno.

ASIER QUINTANA

Asier Quintana es un diseñador vasco afincado en Copenhague. Formado en la Royal Danish Academy (Dinamarca) y ganador del certámen a Diseñador Emergente Vasco BIAAF 2022 (Bilbao), trabaja desde su atelier desarrollando una práctica que combina sastrería tradicional con narrativas emocionales y contemporáneas. Su trabajo explora el desgaste, la imperfección y la vulnerabilidad, partiendo de referencias históricas y una sensibilidad heredada del saber artesanal.

Desdibujar los límites del género en el vestir es parte orgánica de su enfoque, proponiendo prendas personales más que normativas. Cada pieza rinde homenaje al pasado a través de la construcción cuidadosa, el detalle y un diálogo constante entre lo técnico y lo poético.

“Crisis”

“Crisis. The journey of the decadent and tormented mind” es la próxima colección PV26 de Asier Quintana, una propuesta que revisa los códigos clásicos del menswear desde una mirada crítica, oscilando visualmente entre lo histórico y lo contemporáneo.

Parte de una investigación sobre las restricciones impuestas a los hombres en la España del siglo XVII bajo el mandato de Felipe IV, especialmente la de cuellos, gorgueras y puños, situando como punto de partida el cuestionamiento político de las normas de género y expresión. Esta colección reinterpreta irónicamente aquellas prendas restrictivas, fusionando la opulencia e irracionalidad barroca con la contención moderna.

Siluetas abullonadas, pantalones abombachados, textiles de tapicería y referencias al Barroco temprano se combinan con técnicas de sastrería tradicional y patronaje experimental.

La narrativa incorpora también la adaptación cinematográfica de Orlando, de Virginia Woolf. Su viaje desde el siglo XVI hasta la actualidad, refleja cómo el género se construye más que se impone. Temas como el paso del tiempo, la dualidad entre restricción y libertad, o la evolución identitaria, enlazan con el espíritu de Crisis.

Ambas historias comparten un tránsito desde la opulencia a la sobriedad, generando una tensión expresiva entre los extremos. La colección quiere reflejar de una forma lúdica, el tránsito desde una propuesta decadente y volátil hasta una conclusión más contenida y monocroma.

A través de sus diseños, “Crisis” explora la expresión de una nueva identidad de género y la búsqueda de la liberación personal, cuestionando las convenciones sociales entre épocas.

EMEERREE – AARÓN MORENO

EMEERREE es una marca de moda con base en Madrid que lleva la lencería al exterior desde una mirada elegante y contemporánea. Reivindica la sensualidad sin género y el erotismo como lenguaje estético. Sus prendas combinan la corsetería con la funcionalidad, dando visibilidad a lo íntimo.

Desde su primer drop en 2019 —una colección upcycled en denim— ha presentado ocho colecciones, tres desfiles, uno de ellos en Mercedes-Benz Prague Fashion Week, y ha sido ganador del premio Mercedes-Benz Fashion Talent (septiembre 2023).

Ha vestido a artistas como Dua Lipa, Tyla o Julia Fox, y creado vestuario para giras de Troye Sivan, Karol G y Emilia Mernes.

EMEERREE nace del deseo de transformar la intimidad en presencia, y de abrir espacio a nuevas formas de vestir, sentir y mostrarse.

“Dressing Room”

EMEERREE presenta “Dressing Room”, una exploración del acto íntimo y cotidiano de vestirse y desvestirse. Una reflexión sobre cómo la ropa no solo cubre, sino también transforma, comunica e interactúa con quien la lleva.

Con “Dressing Room”, entramos en un espacio privado, casi ritual, donde el cuerpo y la prenda se encuentran. Un lugar donde el juego, la prueba y el error, el deseo y la búsqueda de identidad se manifiestan a través del gesto de abotonar, ajustar, atar o soltar.

La colección se construye a partir de tejidos que sugieren cercanía y textura: lanas frías y sargas de algodón en una paleta de verdes apagados, marrones cálidos y tonos tierra. La sastrería masculina ocupa un lugar central, reinterpretada con cortes orgánicos y estructuras que se deforman mediante elementos inesperados como cuerdas, cierres desmontables y capas superpuestas. La propuesta busca resaltar los pliegues y arrugas naturales del cuerpo, permitiendo que las prendas se ajusten y se adhieran a ellos, transformándose en diálogo con el movimiento.

La lencería sigue ocupando un lugar protagonista: se lleva por fuera, no como un accesorio sino como cierre final del look. Una declaración de intenciones que refuerza el discurso de la colección: lo íntimo puede ser visible.

“Dressing Room” es una invitación a habitar ese instante suspendido entre lo íntimo y lo público, entre lo que somos y lo que mostramos. Una colección que no se impone al cuerpo, sino que dialoga con él y con su identidad cambiante. Una pausa antes de salir, un espacio para explorar quiénes somos y qué decidimos revelar.

STUDIO CUMBRE – MICAELA CLUBOURG

Micaela Clubourg, diseñadora argentina afincada en Barcelona, ha desarrollado su carrera entre América Latina y Europa. Después de años de experiencia en ambos contextos, lleva a cabo la dirección creativa de su propia marca con la visión de impulsar un cambio real en las formas de hacer dentro de la industria, apostando por un enfoque sostenible y consciente.

Actualmente, lidera Studio Cumbre, una marca de Ready-to-Wear que se caracteriza por la fusión de formas orientales con técnicas artesanales latinoamericanas. Paralelamente, mantiene un fuerte compromiso con el ámbito académico, convencida de que la interacción entre teoría y mercado es clave para impulsar la innovación y generar un cambio tangible en las futuras generaciones, trabajando de forma colaborativa. Esta doble presencia le permite investigar desde lo conceptual, sin perder de vista la realidad productiva y sus posibilidades.

Su estudio nómada e internacional refleja una historia familiar en la que la moda siempre ha sido un símbolo de resiliencia. Sus abuelos levantaron una pequeña tienda de telas en una antigua fábrica de tapados de lana en el centro de París y, tras emigrar en la posguerra, lograron reinventarse en Argentina y Uruguay. Gracias a su conocimiento práctico, pudieron reconstruirse una y otra vez a través del textil.

Para Micaela, cuando uno emigra, el valor no reside en trasladar lo material, sino en conservar el saber hacer. Lo importante es contar con aquellas herramientas que permiten volver a tejer una nueva red.

“Ya hemos estado aquí”

“Ya hemos estado aquí” no es nostalgia ni repetición: es una declaración de continuidad. Habla de aquello que persiste y evoluciona desde la experiencia. Estar aquí es una afirmación de presencia en un tiempo que insiste en empujarnos hacia el futuro o arrastrarnos al pasado.

Aquí no es solo un lugar: es el cuerpo que se mueve, la piel que ocupa espacio, la prenda que la envuelve. Es historia personal entrelazada con lo colectivo. Herencia, memoria, materia. Porque lo nuevo no siempre está en lo inédito, sino en cómo volvemos a habitar lo esencial.

Esta colección reivindica el valor de devolverle la voz a la elegancia a través de la pureza de la forma. En una época en la que lo contemporáneo se asocia al grunge, la superposición o lo extremo, Cumbre rescata el confort como una forma de estética esencial. Vestir no desde la urgencia, sino desde la intención.

Trabaja con fibras nobles y formas que trascienden el tiempo: denim reciclado, materiales resistentes y sin época, o algodón agroecológico intervenido con tintes naturales. La colección reconoce esas constantes que cruzan generaciones: aquello que habitó el ayer, se expresa en el presente y proyecta futuro.

Volver a estar aquí no es retroceder. Es elegir, una y otra vez, lo real, lo tangible, lo que se siente bien en el cuerpo. Sin logotipos. Sin sobreexposición. Solo ropa que susurra en lugar de gritar.

GUILLERMO DÉCIMO – GUILLERMO DÍEZ

Guillermo Díez López es el artista burgalés tras la firma Guillermo Décimo. Formado en la EASD Burgos, finaliza sus estudios de moda obteniendo MH. Completa su formación en los talleres de Ulises Mérida y Ana Locking y posteriormente con Javier Martín Galán en técnicas de Alta Costura en el Museo Balenciaga.

Su universo combina tradición, artesanía y belleza atemporal a través de un viaje que conecta pasado y futuro, sin olvidar el presente. Su pasión por la moda, arte y teatralidad quedan patentes en toda su obra como diseñador, patronista, modista, ilustrador y artesano, creando todos los diseños de principio a fin con sus propias manos.

Tras desfilar en EGO (MBFWMadrid), da el salto internacional a las semanas de la moda de Nueva York, Milán y Londres, de la mano con Sprayground.

“In Tempo”

En terminología musical, “volver a la medida que aparece originalmente en la partitura. Informa que la pieza debe ser interpretada tal y como fue compuesta. Se deberá tocar a su justa medida, manteniendo la coherencia en la interpretación para alcanzar la perfección de la obra”.

La costura, del mismo modo, requiere ser creada “in tempo”. El tiempo es el que es. Confeccionar costura es como interpretar una partitura. Cada puntada es una nota y no podrá fallarse ninguna de ellas ya que hasta la más pequeña y oculta cumplirá una función imprescindible pensada por su creador, quien diseña la obra de arte que será escuchada o vestida.

18 looks de mujer se centrarán en esta idea. Crear piezas de costura, piezas de arte, piezas que por sí solas nos cuenten historias, tanto por su exterior como por el complejo interior que cada una de ellas guarda. Se trata de valorar el tiempo, de no correr, de no crear sin medida y sin cabeza, ya que de ese modo perdería toda su esencia.

La colección viaja por el concepto clásico de la alta costura y el paso del tiempo de sus prendas. De cómo las vemos y estudiamos en fotografías antiguas, comparándolas con las piezas que observamos en los museos, a veces intactas y otras ajadas por el devenir de los años, pero manteniendo su calidad incólume y contándonos una vida entera a través de sus puntadas.

Guillermo Décimo ofrece la atemporalidad del saber hacer. El amor y pasión por la tradición y una nueva propuesta que afianza su universo creativo tomando como hilo conductor las bases sobre las que se asienta la marca: artesanía, trabajo manual, costura, belleza, arte y calidad.